簡易指南：真的都亂聽，而且都是”筆記” 的程度而已並非評論；內容主觀、業餘，服務老友為主；提到的大致上都算流行音樂的東西，不會太偏，那可能電子、嘻哈之類的專輯比較多；格式跟本站的電影清單差不多；保証歪題/暗藏潛主題；不一定2017發行才列入清單，只要2017聽的都算；會稍提到樂器/器材使用的介紹，也是業餘的程度。第一次編寫音樂清單/專輯介紹，請各位多多指教。注意：本篇篇幅長容易lag，建議以電腦瀏覽為佳。
跳著看就行嘍! 筆記包括：Aphex Twin // Selected Ambient Works 85–92 Solange // A Seat at the Table Oneohtrix Point Never // Good Time Original Motion Picture Soundtrack FKA Twigs // LP1 Sleaford Mods // English Tapas Arca // Arca… A Tribe Called Quest // Nine Inch Nails // Blood Orange // Lana Del Rey // Soft Ballet ソフトバレエ // DJ Rashad …and more.
以下內容依舊大幅修訂中/校正中。
好吧開始吧~!
1. Aphex Twin // Selected Ambient Works 85–92 (1992) #考古 #重聽
好久沒聽了呢! 純粹是iPod重灌(用iPad代替壞掉的iPod啦)才順便播來聽的。這張在我心目中是Aphex Twin之中的Aphex Twin，鬼斧神工之中的鬼斧神工。不是說Aphex Twin其他專輯不夠好，是這張Selected Ambient Works 85-92真的很特別…具有一番無法言喻的魅力，也可說它有一套自成一格的樂音語言、自成一體的神秘情境，並且表達方面不但可活潑生動，亦可輕柔飄渺，恰如”陰&陽”的完美平衡。
在這裏會先提Selected Ambient Works 85-92，是因為深感此作將電子音樂/電子合成器聲響的 “張力” ，或者是”動能”、”動力”，給展現得淋漓盡至，而接下來要介紹的作品，亦多少含有此番特質，而這不容易做到。
“張力”、”動力” 實際指的會是什麼呢? 現在要引述『法蘭西斯.培根：感官感覺的邏輯』一書之中提過的相關概念，好像又太嚴肅了! 倒很喜歡書中(p.78)說到的「音樂必須讓非聲音性的力量，發出聲音。」或「如何畫時間? 或是讓時間被聽見? 」覺得在許多傑出的電子音樂作品之中，我們確實都聽到了非聲音的力量發出了聲音，也覺得時間總能似聲似語地被聽及，並隨之流向身與心，又流轉於現在與過去…
想像一下哦! 當旋律、歌詞、節奏、音色、編曲、結構、時間感、空間感…與創作者的人生…心跳…還有聽者的種種，以及當下的一切一切，不斷地交織、衝擊與聚離，而從中構出了一股強烈、強韌的『感官力度』，更使作者與聽者，皆感知到音樂不斷湧現一股股生動又源源不絕的動感效果：哇! 音樂真的活起來了! 音樂正在鳴唱著自己呢! 而且你就算不懂發生了什麼事，身心卻紮實感受得到音樂的”發聲”，與它的”震懾”，還有它所引起的強烈共鳴。
至於要”如何”去交織、衝擊與聚離，才會展現那番張力? 這就是一門藝術了…也或許 “ambient” 不就是這麼一回事罷了……
↗這首Green Calx實在是太妙了!
倒是，Selected Ambient Works 85-92所帶來的張力、動能或是震懾…也不是那種很嚴重很悲壯或很雄偉的感覺…而是具有不可思議的活力及靈性吧! 彷彿我們可以透過這些音樂…靜靜看著世界中的一切一切，看著無垠宇宙的每一處，而我們聽見的，就是正看見的什麼。所以它所帶來的視野，有其稍稍激動的一面，有其相當綺麗、神秘的面向，有其沉寂的時刻，也有俏皮、小搗蛋的時候，但整體而言，它是很…很humble的。
↗這首應該是許多人最愛的Aphex Twin作品…
換個角度來說，其實整張聽下來的話，聽者就算感受不到什麼張力動能的，也很可能會產生”迷幻感”，就被一股幻惑的魔力所牽引，意思就是有極強的巫毒效應哦! 不過不會讓人迷亂暈眩，而是會讓人透過聲聲響響來享受一趟舒心、平靜的神遊~what a mind trip!
高中留學時期在唱片行首次看過Selected Ambient Works 85-92，但由於是進口盤不便宜，所以試聽完後只買了一張特價的EP “On”； “On”這首應該是最理想的Aphex Twin入門作品了。
↗”0n”算是淺顯易懂的良心之作吧；另推導演剪輯版的”Windowlicker“~ (影片慎入)
後來咧，還幸運地在二手唱片行撿了I Care Because You Do (←一直都蠻喜歡這張的)跟Richard D. James Album；之後Come to Daddy EP 與Windowlicker等作品的強烈影像效果，幾乎讓身邊所有聽音樂的人都為之著迷，可是咧，在Drukqs之後，Aphex Twin就好像漸漸成為歷史名詞了! 聆聽2014年復出的Syro，算有拾回當年去唱片行試聽、撿二手貨的美好回憶，對於一般聽眾而言亦是不可多得的佳作，但是…相信…曾經享受過Selected Ambient Works 85-92這等致幻巫毒靈藥的聽者，聽完Syro之後，只會更加懷念早期的Aphex Twin啊~! 剛說的那種張力性也都沒那麼突出了。🐻
2. Solange // A Seat at the Table (2016)
完全沒想到自己會這麼喜歡這張專輯，簡直一見(聽)鐘情咧~! Solange的歌聲，句句呼吐的聲語皆是生命與靈魂的交舞：歌語起伏變化之間，是各種層次與情感的展演，而且唱得混然天成，一點也不匠氣，但可想而知那需多少天份、技術與經驗的累積才能做到這等地步。雖然這樣形容，但她的歌聲倒不是很激昂的那種”天后”級的風範~ 不是唱的很用力又狂飆高音的那種，而是很自然又很具深度的，同時又有種親切感，聽CD也覺得彷佛她就在你耳邊說說唱唱，談談人生，頗有詩意呢!
除了歌聲之外，或許會這麼喜歡這張專輯，也是因為編曲方面的關係嘍! 電子的元素算多，音色的運用不貪心將將好，而且音色用得性格又俐落啊! 像是”Mad”這首前奏的鼓聲，哇靠超級重的!! 好愛啊! 爽爆了! (p.s. 用Spotify聽不出重感，要聽下載的音檔或實體cd) 又重，又沉~ 感官上是黑暗的，再搭上Solange柔和繽紛的歌聲，好優美啊! 加上歌詞又紮實…詞窮了! 真是好聽哩!
無論何種音樂曲風，都特別喜歡那種…那種重到令頭骨發暈，重到令嘴裏上顎發抖 ，或令眼窩骨頭發麻的重低音…這類重低音的元素，舉例而言在嘻哈(特別是我族Wu-Tang!)、House、Techno、Jungle/Drum N Bass，或Trip-Hop/Downtempo…等等的曲風都算常見，雷鬼/Dub/Sound System固然是這類音色的始祖之一，並且在其精神之中，重低音的採用同時具有政治宣言的意念(詳見Dub Echoes這部紀錄片)。
至於流行or另類的R&B/靈魂樂，可能以往聽得不夠多，所以印象中覺得有許多在編曲、音色方面是不是都比較悠雅、抒情…芭樂!? 就鋼琴與一些罐頭音色用得比較多吧!? 這麼重口味又對味的東西的話要稍找一下才有。 像之前的Black Messiah就超級特級對味的，還有J Dilla的東西也從沒給人太罐頭的感覺。在查閱Allmusic的Alternative R&B之餘也突然想起…Barry White的歌聲啊! Stevie Wonder的Talking Book聽了便令人醉倒，其實這一塊無論新舊一直有自己超級喜歡的作品啊，但是如不細心找碟的話，還是會先被罐頭芭樂砸頭，因為畢竟是四季皆促銷的過剩產品嘛!
↗MV給人很自然又優雅的感覺。之前的EP的”Losing You”MV好喜歡好喜歡啊(就是本文的封面圖像來源；等一下還會再介紹)~~
沒錯，A Seat At The Table再仔細聽過幾輪後，還是覺蠻不可思議的。MV也都蠻有趣的，蠻生活化的東西，喜歡Solange的即興起舞…終究最喜歡的是編曲、音色與人聲的完美結合~ 有種緩緩然、慵懶的波動感…婆娑…像海浪一樣。不單薄，不複雜，有空間給人沉思，有空間給心歇息… 🐻
3. Oneohtrix Point Never // Good Time Original Motion Picture Soundtrack (2017) ★推
這張Good Time (失速夜狂奔)的電影原聲帶，亦是令人驚艷萬分。可以說是張挻紮實、動聽的原聲帶，同時是很完整的實驗合成器電子音樂作品。
Oneohtrix Point Never (很好記，就One-oh-trix，以下簡稱OPN)，大約是在2012~13那時透過合成器同好(都是沒見面過的推友)的推薦，而接觸了OPN的Replica這張作品。↙MV很有意思，是卡通畫面的剪輯與重覆…但呈現出來的效果怪沉鬱淒迷的…
看過一兩篇訪談，記者以亨利·盧梭 (Henri Rousseau)的畫風來形容OPN的音樂，覺得還蠻有趣的。個人對於虛梭畫風的印象就是挻一板一眼的咧! 但是OPN還不至於給我這種”死板”的感覺，但也不算狂野，曲子聽來是有其”歪斜”卻又工整的一面，他也很懂得以很簡單的基礎元素，來做出很多變化，很多表達，並且對我來說都很動聽悅耳啊! (是聽過什麼很不堪入耳的作品嗎XD) ~
撇開結構與概念性不談，個人對OPN的初次印象(Replica那張)就是…流暢、鮮明，同時散發出一股無從抵禦的孤寂感，也有一些些淡淡的鬼魅、幽靈感吧! 2015年的Garden of Delete (有些惡趣的名稱) 凝聚力很夠，同時哩哩扣扣小元素較多，並且變化性極大：時而沉靜，時而狂癲，時而穿插驚奇，或穿插一些莫名奇妙但想想又蠻妙的點，也會注入些許諷剌、惡趣的成份。厲害的是，這樣反常或趨於解構路線的編曲思維，就是有辦法撐起一首首的歌曲。總之他有他的一套規則，也有他的特異觀點所致的秩序性及結構美學，絕不是全然混亂、心血來潮的。對耶這樣很虛梭耶~!
那麼，Good Time原聲帶，不難猜測編曲的架構，就得是電影本身了! 因此編曲不再哩哩扣扣，敘事線之中不會再塞一些「來鬧ㄟ」小驚喜，而是都變得四平八穩的，很穩健，穩得好啊! 所以之前去看電影時，聽到配樂的當下反應是…終於啊!!! OPN終於開竅了啊! 終於能讓人迷上了啊!!
在Good Time原聲帶之中，無所不在的是原既耳熟能詳的OPN招牌~ Roland Juno鍵盤的音色暖暖地流溢、穿梭、迴旋，伴隨著循序漸進的bass sequence，加上旋律幽冥神秘，同時具有精緻的層次感。很不錯。
↗電影也很不錯，格局不算大，但刻畫得夠細膩，角色內心掙扎呈現得寫實並強烈。
並且呢，電影本身的爆發力，也皆得以轉化至配樂的聲響起伏之中，如”Good Time”與”Leave the Park”這兩首，便可謂是整張原聲帶的縮影…與高潮。這兩首讓你聽來瞬間有些許懷舊感，有些80~90年代電影配樂的風格(在OPN個作中較無這種氛圍)，但很快的，聲響的複雜性又會把你帶回現在~唯屬這一世代的樂音複雜感…原聲帶給人這種感受，電影本身亦然。
↗Iggy Pop獻唱主題曲~ 不可思議地毫無違和感!
結論就是~~ 很強烈，很暖，且灼而不燥，沉而不重…很四平八穩，與電影本身的氛圍及表達相當契合；單做電子音樂專輯來聽的話，亦是比他之前的個作還討喜、紮實，縱然他之前的作品一向不錯。 🐻
註解：OPN的器材使用 (給自己看的)
OPN雖很享受錄音室規格的創作空間，但基本上是以宅錄為主。Equipboard有他的清單但可能沒再更新。↑上面是2010年的影片，現在他可能又有換過/賣過這些器材。他所使用的器材不算多，除了自童年即擁有的(早期型號的)Roland Juno之外，在影片中看過的有…好像有一台Moog Prodigy(不太確定)，Roland SP555、SP404、SP404sx，Roland MSQ700 (sequencer)，BOSS的Loop Station(大台)，KORG的RADIAS合成器(rack)，跟一些空間效果器(一些digitech的，一些不認識的)。好多Roland，影片中有說他愛polyphonic的合成器。
MUSICRADAR的文章則有提到他還有一台Alesis A6 Andromeda，一台Waldorf Microwave XTC，還有Elektron Analog Four，一些pre-amp，一些軟體：u-he的 Zebra，Chipspeech，Enzyme，iZotope的Iris，Spectrasonics Trilian， Omnisphere…連Youtube都是器材之一。DAW(Digital Audio Workstation/數位音樂工作站軟體)則是用Ableton的。當然創作者本身對於聲音細節的掌握，對於時間感的敏銳度…這不是使用相同的器材就能仿製的。覺得他的配備”參數”很理想~ 🐻
4. FKA Twigs // LP1 (2014) #重聽
FKA Twigs的LP1，是近年來接觸到的音樂作品之中，最為…最不上不下的一張!! 2014年那時早已聽過，最近又找來重聽了…
LP1的編曲、音色元素與FKA Twigs的歌聲都很出色，歌詞題材的性感(已至狂喜性感的地步)，步調、節奏的掌握也都沒話說。但是…有一個罩門，那就是…如果沒有很專注很仔細的聽，或著音檔、音響的效果不佳的話，又或者只聽在歌曲的表面輪廓，那很容易就會覺得…平淡，無聊…好聽但也就好聽而已的那種無聊。這可能是因為每首歌曲的旋律線，都有點卡陷在邏輯鬼打牆之中吧! 就段落之間、曲目之間的變化不夠。雖然另類、Trip-Hop/Downtempo的東西，多是依重擊節奏來構成樂句，不玩普普流行樂的八股架構，但是LP1的問題還不在此，問題是出在自身結構上，應是需要更多起伏變化的。我最後用一對KRK Rockit5接Mackie混音座再接iPad來聽(已是監聽喇叭規格，也可想像聲音會有多重)，問題便都解決了。
這問題同樣在觀看FKA Twigs的現場演出便得到立即的緩解。現場歌唱就有很細緻的表達起伏，甚至有神秘感與戲劇感，節奏部的伴奏也很具魔力，或許因此旋律較像是個框架，或盛著表演的盤子。當然看她歌唱跳舞絕對是很享受的，她非常性感又具靈性，可謂100%理想的Trip-Hop歌伶。
↗貼一個最”樸實”的FKA Twigs演出，還是很不錯；KEXP的嘉賓現場演出都蠻喜歡的，等一下會貼更多。
這張LP1會讓我想起高中時常聽的Tricky第二張正規專輯”Pre-Millennium Tension”：黑沉黑沉的，朦朧朦朧的，是性慾與夜闇的瘋狂交媾…如果是FKA Twigs來詮釋這個時期的Tricky該有多好! 而且PMT這張不會有LP1為人垢病的編曲鬼打牆，Tricky正是編曲詭計家，好多詭譎的轉折，又暗藏許多突如其來的驚喜；Tricky就是…他先營造一片無路可逃的暗黑，再來就會突然給你放一把野火。雖說如此，整體而言Tricky依舊是界於流行與另類之間的曖眛曲風，再多詭異超現實也依然有股流行的、生活化的氣息。不過PMT這張坑坑洞洞太多，曲與曲之間品質大好大壞，稱不上是Tricky的經典大作。
↗都以為這首叫做”Naked and Famous”…”Tricky Kid”還是很猛的一首，但恐怕不似Maxinquaye收錄的”Black Steel“跟”Hell Is Round the Corner”那樣「精湛得驚駭」的程度…
再扯遠一下下：各位還記得以前Trip-Hop有一組團體叫做Earthling嗎? 不是鮑伊的專輯，團名就叫Earthling。我也是後來讀WIRE雜誌才認識的，他們有一張叫做Radar (1995) 的專輯個人很喜歡…嘻哈味比較重，但流的還是原汁原味的Trip-Hop血液，沒有Bristol大三團已太被人熟悉的歌路，較平鋪直述，但有新鮮感。
主流流行樂的Trip-Hop要如何定位? 想想覺得挻微妙的。Trip-Hop今日已不會硬與Bristol的地緣綁在一塊兒，也不一定像以前那樣被視為一種挻固化的音樂流派，現今看來是比較像一種元素、手法、質感。但是…要如何適時地摻入流行? 甚至是熱門金曲的格局? 在2010世代!? 這就是門學問了! 不過…個人一向喜歡Trip-Hop/Downtempo做為流行歌曲，流行歌玩這類的曲風愈多愈好……因為這類音樂外表再怎麼鮮明優雅，本質皆是黑暗強烈的。 🐻
5. Sleaford Mods // English Tapas (2017)
最近常上Youtube看Ameoba唱片行的”What’s In My Bag”訪談系列，受訪的藝人會在店裡挑些唱片來介紹。有些蠻無聊的，有些則是訊息量超大，其中個人蠻喜歡的幾集包括Cedric Bixler-Zavala( At the Drive-In、The Mars Volta…你知道的)、Kamasi Washington、Elijah Wood(高手級的)、Saul Williams、Bootsy Collins、New Order…好多好多。Cedric介紹到Sleaford Mods時說得挻有趣的，所以看了馬上就找來聽；邊看邊記名字時還寫成”Sleptfor Mud”，結果姑狗竟然懂我的心XDD (後來發現Youtube影片註解中都有列出清單啦)。
我的形容嘛…雖然很老套但這次要學一下樂評亂拼亂湊的嘴炮技能：Sleaford Mods就像是…Young Marble Giants遇上了The Streets (Mike Skinner)，伴奏部超精簡(我都可以編的程度了可見…)，主唱Jason Williamson…他這樣是有歌喉的好嗎哈哈哈! 但他的饒舌說唱兇猛無比，感覺一首歌的結構就是聽他罵人，然後…哈哈哈這我真的笑很久…另一團員基本上每次演唱時就是呆呆站在旁邊…聽Jason唱歌!!! 然後手中一定拿瓶啤酒，會啦會跟著音樂搖搖扭扭，然後會顧電腦、換歌，偶爾合音一下…康莽!! 誰能比他廢!!!!!! 總之這團的組合就是~ 訐譙王子與換歌尚宮哈哈。他們也沒有其他樂器，沒有DJ Deck，就一台筆電! 不過感覺得出他們勇於做自己嘍，歌詞也很敢講很敢譙的! 重點是整體聽起來都蠻順蠻紮實的…English Tapas好聽耶! 雖然我是Spotify卡當才剛好整張專輯從頭聽到尾…關不掉XDD
所以…各位! 這就是英式龐克的最新變體!! 英國味重到會暈的程度! 沒有吉他，連個里民大會抽獎中的卡西歐鍵盤都沒有! 也是啦…要耍帥倒不如廢得真誠啦!
↗主唱還要自己裝出”咩~~~~~~” 的音效XDD 傳說中的人肉vocoder，好好玩! 換歌尚宮受訪時談吐還蠻萌的呵呵呵…
↗後來發現其實早就看過他們了! 就這首跟Prodigy合作的歌曲。Prodigy也跟以前差好多了:( 🐻
註解：Cedric介紹好音樂
Syd Barrett那張想聽! 然後喜歡他花時間聊Big Star~Chris Bell還有Alex Chilton~ 他們提到Chilton有幫The Cramps製作過專輯! 接下來Cedric還提到Van Dyke Parks，我們這輩的可能比較不認識了，除非是信仰等級的Beach Boys狂粉就會知道，但事實上…就像影片中提到的，Van Dyke Park曾經客串過雙峰! 第二季他演Leo的律師，前兩天才在狐狸台看到啊! 然後我的朋友群好像都喜歡(至少不討厭)At the Drive-In跟The Mars Volta… 懷念以前MTV深夜常播Mars Volta的MV 🐻
這傢伙厲害哦。超厲害。剛還在追憶Selected Ambient Works 85-92所帶來的…感知的”張力性”，而且還說Aphex Twin這時的作品動靜兼俱，能給人充滿迷幻感的感官動能，又同時令人感受到心神上的平靜。這在Arca的世界之中…啊哈! …算了吧!!! Arca的張力與動能一樣強烈無比，精力則更加旺盛狂野(不過也不是hard-techno那種過動兒狀態嘍)，而且更似是一種『不穩定為唯一穩定』的無息湧騰，激狂不已又非一眛的躁亂，並且在這意境之下，所處理的架構格局又甚講究。不簡單。
Arca三張專輯 Xen (2014) Mutant (2015)與今年推出的同名作Arca， 便是他這般強烈表達能量的步步演進。Xen的音色元素眾多，氛圍若似惡毒冰冷的雨夜：雨滴、碎骸、水漬、鬼火的交錯沉落…懸浮…；到了Mutant，承襲了Xen之中密佈的音色”觸感”，並將其推衍至極限~ 美的更美，駭人的更駭人，也多了一些令感官不安不悅的綿密雜音，造成一種文火灼燒的特異觸感。同名Arca的話，則是躍進了更大一步：他玩夠了，不再大秀各種元素的運用(與破壞)，而是以自身的表達、情感方面的釋放，還有時間感空間感的細膩掌控…以這些無形無聲的事物…取代了以往那些”可見”(聽得見)的各種怪音色、怪音階。多元複雜的始終是無形的表達與展現，因此原本那些有形的聲聲響響便可收歛。在現階段的Arca，感覺是更能掌控能表達什麼，要展現什麼，又要留下什麼伏筆…
因而從Xen的雨夜，到Mutant的惡火，再到Arca的迷霧，我們見證了Arca的蛻變與成長，也或許是此類音樂發展至2017的一里程碑…至少對我來說，他的作品具有時代精神/此一世代的象徵性啦。
Arca的這張專輯可說是以人聲貫穿，而歌語神秘飄渺，又融入委內瑞拉民謠的基調(很喜歡他以母語誦唱)。在COS的評論中有提到，像”Reverie”便取材於Simón Díaz的歌曲“Caballo Viejo”，COS也解釋了“Anoche”一曲是如何融入委內瑞拉民謠之中所謂”Llanera ballad”曲風(我想它指的是當地歷史名曲”Alma Llanera“的衍生曲風；有興趣者可繼續查詢融合非洲、歐陸與南美元素的” joropo“舞系)。亦由於Arca同名專輯所構繪的音場空間是不斷湧動的，所以人聲外的音色、節奏聲響不會甘於只做陪襯，而會在相當精密、巧妙的編排下，一切暫時來去穿梭，暫時停留，暫時吶喊後又遁入靜默…很優美…
那麼Arca的三張專輯聽下來，可能很多人會專注在各種怪誕、特異的音質色澤，或者是說有些歌都沒旋律，因而就此誤解Arca的創作反正就是這些怪怪抽象音色的拼湊，甚至說這種創作不是音樂了。不是的，事實上Arca還是著重旋律、音調、音階的縝密織緯；旋律與非旋律、半音與全音、調性與調性之間的對比與相仿…這方面他是玩得遊刃有餘，只是他的玩法不像是傳統的玩法。而其實說不傳統…也不一定，畢竟…使用舊規則不一定就是老套，使用新方法也不一定就能創新；以舊引新，以新喻舊…覺得Arca的音樂具有這方面的巧思。也或許你會在那麼一瞬間，在他那狂野詭譎的聲響狂暴之間…在那麼一點點的小縫隙之中，嗅到古典樂、現代音樂與後現代前衛實驗音樂的氣息…
並且，聽愈多輪就愈能感受到他屬於鋼琴手的思維，亦相信各世代的音階原理、和弦之運用及拆解，對他而言都是小菜一碟。有時也有那麼一瞬間，Arca音樂中的琴聲會讓我聯想到”Decay Music“…不過是迷幻的，超現實的…甚至是番木虌鹼(Strychnine)中毒的Decay Music…
↗那音樂錄影帶Reverie或許是某種提示…或許不是。暫且說視覺上所見，如人型輪廓、奇異義肢的線型，以及畫面對於這種偏冷的桃紅/粉紅色塊的處理，無一不令人聯想到畫家Francis Bacon…其實專輯Acra的編曲也會令我思索起許多關於Francis Bacon畫作的解析，特別是對於色彩、暴力、殘酷、與時間性的考究。
在Arca的一些介紹(如文章1，2與3)之中，得知他相當喜愛Tim Lawrence所撰的Arthur Russell傳記 (我也有這本書；關於Arthur Russell在本站的一篇Technopolis特輯裏已深談過)，老實說聽Arca時還沒能聯想到Arthur Russell，但確實以Arthur Russell的才華與豁達的視野，若能於2017年繼續創作音樂的話(給他DAW與一堆VST plugin啦!)，精神、架構方面，肯定會與Arca有所呼應。Arthur Russell的音樂就真的是一場場朦朧美麗的幻夢~reverie，Arca則是那般美夢開始交雜、腐化、變型…的那麼一瞬間吧!
倒是，第一次聽Arca的作品，感官上令我想起的是十幾年前的Xiu Xiu(如Knife Play 、Fabulous Muscles )，結構與質感則會令人聯想到Scott Walker的Tilt (1995)和The Drift (2006)，特別是The Drift之中那些令人坐立難安的音色觸感。不止如此，Arca在同名專輯中的美聲獨唱，搭配著不和諧和弦，以及整體氛圍散發出的”absurdism”的基調，感覺跟Scott Walker之前的作品有些契合，但Arca還沒那麼地深沉、玄奧、肅殺。然而，一路聯想下來，覺得Arca比前輩們更獨特之處，是他的樂音結構似乎漸漸結晶出一種”肉身”結構的聚合，對，很Francis Bacon，如一團雲霧又如一具血淋淋的初生血肉，彷彿驚駭殘酷的不曾是一丁一點的聲響效果，而是音樂表達本身所呈現的”如夢真實感”，當然其優美之處，一樣源自這般真實感~ 具有痛感之美，具有幻夢感之痛，具有美感之血淋淋真實…
聆聽Arca與觀看他的各種MV、現場演出片段，總能從中感受得出一股股很純粹…很raw…未成型或拒絕成型成體的性能量，不止是性，這也都是很純粹的自我展現、自我探索與破壞，但終究都算是正面的展現與探索吧! 說不定吧我也不知道…或許這些歌曲，這些挑戰聽者能耐的音色與架構…是在為他這等能量~純粹性能量，純粹自我~ 來闢路，來發現、捕捉、留住、放逐…
最後，溫馨提醒一下麻吉們：Arca至今的三張個作，不一定算得上經典，但皆有相當的完成度，但是…無論主觀客觀來看，都比較不適合從零開始的初學/初聽者，也不適合對電子音樂的認知、接受度不高的聽眾。這無關是非優劣，也不是說電音都是這種程度的，但還是稍注意一下吧! Arca這些音樂的表達與訴求，確實都頗具挑戰性，也與「主流音樂長年訓化而成的娛樂性聆聽行逕」甚有衝突，不過都還是可以率性地稱其為(廣義的)流行樂，也都不會太認真太嚴肅就是了。 🐻
然後…好笑的是…專輯封面不酥糊~~ 實體CD還好，
iPad歌單一整排出現小頭↓也太口怕了啦哈哈哈~~
註解：Arca的器材使用(給自己/初學者看的)
reddit有一篇討論蠻有內容的，簡單轉述一些重點：像是Arca、Holly Herndon等人(再補上FlyLo、Actress還有上面提到的OPN等等)應該automation修得很細，並且擅長處理granular synthesis(有人譯為『顆粒合成』)、sound cloud (譯作『音雲』，不是快倒的某sc音樂平台)，以及波形/光譜/頻譜的界面。現今這些基本上都是DAW/VST/軟體/虛擬次元在玩的東西了。並且討論中有人提到此類音樂若要做得好，取樣很重要，不止取樣的材料本身要夠好(選材料是門學問)，必要時也得取樣+再取樣。
此外有人提到Arca應該有用到Access Virus(見G論壇此文)；個人略為同意，因為之前在推特認識的某玩家(我bandcamp有推薦他的專輯)使用Virus與Analog Four等等器材做過一張不錯的作品，所以稍認得出論壇的人所做的比較。而就算不是Arca，Virus的一些音色都會給我一種『腐蝕的狀聲化』或『鐘乳石般的狼牙』的奇特想像，這種音色若用得好會很神奇，用不好就會很令人厭煩吧!
上面reddit提到音檔的光譜/頻譜處理，原po有提到iZotope Iris這款取樣/合成器軟體，我也覺得Arca應該是瘋狂大量使用的。Iris的特色是可將聲音檔給圖形化，然後用類似「套索」的選取工具，來”圈剪”出一段『不規則狀』的聲音樣本，不止如此，還可以挖洞、使用「橡皮擦」、再製、拼貼、調整LFO、Envelop、Gain、FX效果等等，也可用鍵盤彈出音階起伏(←快速彈奏的效果很瘋的!)。然而Iris本身也附有soundbank/presets，直接做為合成器來玩也okay的。Iris操作上不會太難，但要做到Arca的地步，靠的是頭殼裏面的腦神經了! 靈感與經驗也很重要啦。
↗我的是舊版一代(現在玩家都升級到二代Iris 2了，但我對Iris的依存有限，能用就好，縱然二代介面速喜多了)，上圖是隨便圈個部份來取樣的。
↗然後這個是用不規則套索的方式選取音檔的坑坑洞洞，與被取樣的原物相比，圈選的部份聽來像是全然不同的歌曲，就一瞬間生出新東西來了。🐻
哈哈哈大跳痛~!!! 不錯吧夜半豬寫xDDDD
Grimes基本上不是我會聽的東西，但就好奇網民所言的”全部只用Garageband製作”的『膾炙人口流行電子音樂專輯』到底是什麼樣的情形，於是就找來聽聽。聽完的感覺其實不錯，我也是給予肯定的。然後…覺得這張專輯很適合推薦給剛開始認識電子音樂的聽眾(上面的Arca就先別碰啦!)，或者是年紀較輕的~青少年至大學生的年齡層的族群來欣賞，其實電子音樂的宅錄初學者都可以來聽聽，這張製作內容不錯。
首先，Garageband有什麼不好的! 阿band湊了嗎!? Visions是2011年錄製的，那時的Garageband(簡稱阿band啦呵呵)，版本雖然沒現在的好(也容易當)，但做基本的併軌、編輯、開後製/效果類的VST應都okay…可是…覺得後製還是要用一下Logic吧! 或像iZopote Ozone之類的後製軟體都要用到。我阿band從2008用到現在了啊! 換過各種版本了都依然在用啊，其實Logic跟Ableton也用的，但阿band做automation最順手。回想起來…高一(留學)時音樂老師教我們用麥金塔操作Cakewalk然後接Korg Z1…還要直接在電腦螢上填五線譜…真的粉口怕…科技的日新月異…是把電動殺豬刀…
Visions的優點其實跟用Garageband、ProTool、Ableton或是什麼其他的DAW一點關係也沒有。個人覺得出色之處是在於…鼓聲跟貝斯簡明又紮實，節奏部的音色音場什麼的拿捏都命中甜區，然後人聲、合聲、leads或pads的處理…整體的”建構”是頗具新意的。然而…有時延音、迴響會加很重! 有種『霧好濃』的感覺，但還不至於毀掉整張專輯。習慣就好啦! ’10年代數位錄音/DAW製作的音樂，其實都常有類似的特質吧! 數位的音色音量，可能都很有棱有角又很特異，卻始終不會比類比合成器的音色來得渾厚、厚實、溫暖 (其實太厚也是一種負擔)。所以呢! 無關優劣好壞，反正材質不同，結構就會不同~ 要撐起一首歌曲的格局，數位錄音/DAW製作的音樂便很可能得使用多量的小音色(甚至是很抽象的雜音雜訊)來拼接，或以迴響或其他空間系的filter/FX來修飾，或從歌曲的演進流程下手。
此外，像”Genesis”的節奏部也有些比較acid的音色(覺得很好聽)，這個也是都有支撐效果的。”Genesis”這首歌最大的特色，就是”惱人”的旋律線:p，似是五聲音階 (看live好像是黑鍵音階)的運用，配上Grimes的假聲、娃娃音、卡通音、轉音…一樣都是用得巧用得妙的支撐效果，漂亮哦! 但像我，卡通音加五聲音階…不行…救命…就算心智上不排斥，但聽久了就是會感官疲勞。
↗不懂…不懂的風格… 不過可以接受啦，還蠻妙的…
幸好，Visions之中不止大紅的”Genesis”，還有像”Circumambient”、”Be A Body”等等旋律使用小調編寫的歌曲，而且旋律極具魅惑力，更有流行音樂或青少年音樂常有的一番苦甜滋味，同時人聲的交疊也更複雜了一些了，但是鼓與貝斯只有表現得更好，表示整體的樂音DNA是很棒的，簡單卻不單薄，很okay的。Visions之中的”Skin”是專輯中最具感性面向的一首，呈現的方式亦最有層次。
不過，就像剛說，Visions適合初學與年輕聽眾。Grimes很懂得處理自己的人聲部份，幾乎是人肉pads跟人肉synth leads了! 不過如此的歌聲，若要表達深刻的情感，或是複雜的敘事…這等層面Grimes的歌聲或許是略遜於許多流行女歌手的。 Grimes的歌聲與音樂，目前聽來都是快樂的、白日夢的、泡泡糖音樂的變體…正是dreampop的完美化身：清澈、率性…淺淺的，亮亮的，甜膩膩的。然而情感刻畫與意義層次的展現，單憑dreampop能表現的本來就很有限的。
↗2012年的電台演出，席地而坐+一人操縱所有器材，速喜啦! 很好玩耶! 她那台Roland Juno是新型的了，跟OPN的古董機型不同。比較感興趣的是影片中的Line 6 M9，好像不錯用，更多相關介紹請至Equipboard的專頁。
無論是流行樂或是電子音樂，就算是極為精簡的製作參數，都還是可以表達很多很多的，包括很黑暗寫實的面向，或很憤慨的複雜情感，甚至是必須發出的聲音/思想，必須冒著危險在歷史上留下印跡的主張。而如果你想體驗這類的感受，那麼Grimes不會是你的首選。然而無論如何Visions聽來都蠻舒心的，很可惜Visions這種”完美dreampop”的特質，在Art Angels就幾乎不見蹤影了~ 聽完Art Angels竟然還想念起不對盤到一個境界的Genesis了! 個人覺得Art Angels比起來可匠氣多了。
總之，強推Visions給初學/年輕聽眾。
入門、初次聆聽很重要。什麼風格類型倒是其次，重點是要聽好的東西。現今最暢銷、熱門的流行樂之中，電子音樂的元素確實用的很多，但往往是把電子音樂刻板地做為”工具”，而非視其為”技術”、”美學”或”格局”的。所以…好像不容易找到適合年幼、年輕聽眾的「電子音樂入門專輯」，幸好有Grimes的這張Visions，就讓這張專輯的甜美、不過激的聲聲響響，為你留下個印跡吧! 🐻
8. A Tribe Called Quest // We Got It from Here… Thank You 4 Your Service (2016)
不知道怎麼說…因為…不知道他們在今年9月已經解散了，結束了。是知道少了小不點Phife後他們解散是遲早的事，但很想有準備地迎接這麼一天。小時候就很喜歡他們，卻繞了一大圈才回到他們的音樂的懷抱，倒也不覺得遲吧! 畢竟是A Tribe Called Quest啊! 本站的網址也是跟ATCQ有關的，幾年前人生陷入谷底，寫作的”能力”突然喪失(有點失語症候吧我也不知道)，那時覆日聽The Low End Theory ，聽”Excursions”的呯呯呯~呯呯呯的前奏…是Art Blakey的取樣還有The Last Poets的詩詞，就這樣慢慢地，跟著連續的重擊，不知要往何方去，只是隨之遨遊、遊蕩，文字從此也變成呯呯呯~呯呯呯，又黑又沉的前奏，如雨紛落打向額頭的一記記重擊…遨遊、遊蕩…
↗取樣、歌詞…每一細節都極具意義，這樣經典的Hip-Hop不是給你聽爽的…
不是故意引述的…Excursions所引用的Last Poet詩句就是在說時間，但現在想到的…正是…時間啊! 時間啊時間…你會陷入冗長的空無，又錯過滿滿的切實，你追不上所追求的，轉眼間一切立即成空。呯呯呯~呯呯呯…也是三四年前的事了，那時還看過ATCQ的紀錄片 Beats, Rhymes & Life: The Travels of a Tribe Called Quest (很不錯，強推)…再更久前坐電聯車上課天天聽Midnight Marauders，對於所謂爵士+嘻哈的認知還懵懵憧憧的，更久之前…小學時代在MTV看到”Electric Relaxation“…『倒溯』是世上最fucked up的追憶方式，因為唯有倒溯才看得清原來過去有這麼多條路，這麼多選擇，我卻偏偏走向了某條，選了某些錯誤的選擇，錯過了太多，而唯一的不可能性，就是回頭。
心很暖又很酸的，聽這張最後的ATCQ的專輯。但令人心糾結在一塊的不是上述那些對於過去的無謂追憶，而是最後的ATCQ專輯，竟也是這麼精彩~ 留下經典，然後消失:( 他們真就這樣絕不留下遺憾地結束了!
所以也不想談太多了，就讓我靜下心來好好聽這張專輯吧。🐻
註解：分豬肉音樂大獎
最近ATCQ的Q-Tip有一則抨擊葛萊美獎的新聞，我想重點還不一定是在於葛萊美獎沒提名ATCQ的最後專輯(重要性絕對超越任何可及的獎項)，而是葛萊美在不恰當的時間以不恰當的態度邀請他們為典禮獻唱……
倒是，個人順而想起…最惡趣的葛萊美得獎作品之一，那便是…1996年…Nine Inch Nails的 “Happiness in Slavery” 現場演出(@ Woodstock ’94)，竟然得了個葛萊美的「最佳重金屬演出」…哈哈評審的腦子是被駭了嗎!? 可以理解NIN被定位為”工業重金屬”，與Ministry同調 (當然都是過於籠統的定位)，重點應該是品味取向吧!! 同樣的評審去奧斯卡大概最佳導演會投票給Harmony Korine或Gaspar Noé吧! 而且得獎的這場演出超瘋超殺的! 🐻
9. Nine Inch Nails // Pretty Hate Machine Remastered (1989；2010) #重聽 #考古
哈哈哈哈，就是要來聊NIN了啦! 事情是這樣的，前陣子隨興看Gary Numan的訪談，聽他時常推荐NIN的作品，特別是製作方面的巧思，加上昨天洗了一件NIN長袖踢xD 所以就來重聽一下他們的東西。
然而，Spotify吼…用Spotify聽Pretty Hate Machine，聽個差不多十秒就關掉了。差很多。譙一譙之後去雜物間拿實體cd來播。因為太熟了啦，所以音質的落差一”聽”了然。PHM是張很不可思議的專輯，它裏裏外外皆確實借鏡/偷學/抄襲了好多好多第一波工業老團的精髓，可是製作手法的成就、精湛程度，卻是誰也不學，同時誰也學不來。總之是張很經典，很成功的另類/流行電子音樂作品，但它的基理還是偏流行電子的，不到主流中心但就是流行的，是流行的所以難歸類於定義上較為正統的工業/後龐/實驗電子之領域：歌曲的結構性與對待樂音、語言的觀維，甚無第一波工業慣有的解構精神及哲學涵養。但終究是張好專輯啦。
“Head Like A Hole”則是這張經典專輯之中的經典單曲，記得是國三時在大眾買到單曲CD的，專輯則是高一才入手。這首確實有Ministry的味道但細膩多了，也有些許Cabaret Voltaire的影子(學CV如此活用原始部落元素)。製作團隊包括主唱/隊長Trent Reznor本人以及Flood、 Adrian Sherwood、與Keith LeBlanc (Tackhead成員)………一萬個業界的一般製作人也拼不過這四位吧!?
“Head Like A Hole”歌曲分成三大段，先以有一點點點點Cabaret Voltaire味兒的節奏部做為開場~ “God money I’ll do anything for you…”在此旋律沉穩，但每一句都在推衍、演進，接下來副歌大喊”Head like a hole! Black as your soul!”~這邊的編曲實在五告厲害，層次複雜得要命卻是百分之兩百的完美，特別是從左右兩邊突竄的…狂噪的吉他與…noise，沒錯! 在流行歌曲之中! 然後全都配得天衣無縫~ 完全不搶啊，藝術啊藝術啊! 魔鬼全在細節裏啊! 此時Reznor的吶喊做為中心全力綻放，真的有股力量竄上天的感覺，好佩服!! 如果是靈魂福音或Hi-NRG營造出這種效果就不意外，但是這是狂噪的重搖滾+工業電子啊! 一陣狂暴之後，又立馬遁入高歌”Bow down before the one you serve…” 的段落，這段旋律性鮮明清楚，節奏又是滿滿舞韻的，有魔音傳腦的感覺，巫毒效應就此展開…
↗音量催落去! 雙鼓手!!!!!!愛死了! 這個這個↑這個金髮的鼓手是Martin Atkin吼!?
最近聽很多’10年代的流行歌曲與電子音樂作品，發現使用DAW/數位製作的noise或很抽象的音色，也不一定能夠處理得像Head Like A Hole那樣地巧奪天工。然而noise聲響以更抽象前衛的形式來呈現的音樂作品，我與我的朋友們其實都不陌生…然而，就算如此，還是覺得Head Like A Hole真他媽的曠世奇作。而且這首還是歌詞正好不爛的一首! 哈哈哈哈! 歌詞是NIN的阿基里斯腱啦，歌詞品質時好時壞就是了。
這張PHM的首波主打曲其實是”Down In It”，這首…啊就直接聽Skinny Puppy的”Dig It”就好吧!? 蠻像的…連MV都有點像SP早期拍的宣傳照。哇現在才知道耶! 真的耶~! “Nine Inch Nails frontman Trent Reznor once mentioned that the song influenced the first song he wrote, “Down in It“.[1] He would, later in his career, go on to admit in interviews that he outright lifted some samples of the song for “Down in It“.” ー維基說的啊!
對不認識SP的聽眾來說”Down In It”應也是神作~歌曲的製作水準還是非常不錯的，不過差”Head Like A Hole”差多嘍，也無法撼動Dig It在我們瘦小狗鐵粉心中的地位。不要說Dig It，整張Mind: The Perpetual Intercourse (1986)從第一首”One Time One Place”開始聽吧! 難怪Reznor會說自己深受這時期的SP所影響…
此外個人非常喜歡PHM之中的”Sin”，雖然編曲沒上面提到的兩首來得突出，但這首的貝斯讚爆了，低音貝斯+重節奏+流暢小調+病態美的氛圍=完全我的菜。現在聽了都還會起雞皮哥打啦!
↗哦耶! 榮耀呈現，汙染你的視覺! 這個NSFW/絕對慎入/未成年不宜的音樂錄影帶，是由Coil的Peter Christopherson (Sleazy)所執導的；NIN早期很多MV皆由Sleazy伯伯經手，題材與內容也都蠻…嗯嗯。其實NIN更驚駭的MV是內容以Bob Flanagan的表演藝術為主的”Happiness In Slavery”，以前跟同學看過幾次都不知道演出內容都是”真的”。
↗”Happiness In Slavery”這裏就只放莫名奇妙榮獲葛萊美獎的現場版本(@ Woodstock ’94)，投票給這首的評審都可以去領諾貝爾了。這場演出應該是…狂癲又性格到葛萊美不配跟它扯上關係啦! 好笑的是那時Reznor老爹就說~ 那麼以後墓誌銘可以寫”REZNOR: Died. Said ‘fist fuck’, won a Grammy.” (這個以前同學說過，現在維基都有列出了哈哈哈)…當然後來Reznor的”社群網戰”原聲帶得到奧斯卡就是實至名歸了(然後Reznor上台領獎前發推說”血特”XDDD)。
NIN的編曲從PHM一來一直保持相當的水準，在90年代的流行樂壇(主流唱片公司，高銷售量，明星等級的)，作曲內容這麼狂暴，又如此懂得活用極具剌激感的雜訊、噪音/雜音、抽象音色、合成器音色…等等的藝人似乎不多，NIN絕對是其中一員。現今數位/軟體/DAW/VST世代，雜音抽象音的調製變得輕易，但是如何使用於歌曲中，如何拿捏…覺得這方面新樂手們可以求教於NIN的作品。歌詞就不要了XD
The Downward Spiral (1994)這張的編曲流程會比NIN之前的作品更具實驗性，但風格怎樣玩都還不會全然溢至第一波工業或前衛/實驗音樂的領域。”Mr. Self Destruct“、”Heresy”與”Ruiner”是個人覺得最棒的收錄曲(指製作方面)。後來的The Fragile (1999)同樣精彩，但偏偏叫好不叫座，NIN亦面臨掙扎轉型期。這時期我跟同學去看了他們的巡迴演唱，”Head Like A Hole”永遠是最後一首演唱的歌(現場版簡直超新星炸裂等級的)，然後吉他手Robin Finck性感死了<3 看完現場也依稀感覺The Fragile的表達…已經不太適合原本所鎖定的客群了。
↗還是(我跟同學去看過的)這個時期的現場版本最殺…吼吼Finck的造型好讚!
NIN後來的專輯算都蠻紮實，風格亦一直在蛻變。概念專輯Year Zero (2007)、The Slip (2008)等等都值得一聽再聽。Hesitation Marks (2013)則感覺差遠了，主打曲厲害但剩下的就覺得還好，今年的Add Violence也okay啦! 雖然只像是NIN打個瞌睡…先不小心踢到Front 242的唱片，又夢到幼齒年華的Depeche Mode，然後醒來抓個癢打個哈欠就寫完的程度而已! 但還是不差。不過無論如何Pretty Hate Machine那時的超狂暴活力就真的都過去了啦!
然後我有一個小小小小小抱怨…希望在另一平行世界，那裏的Nine Inch Nails是女主唱，而且是大嫂Mariqueen Maandig~! 她超正的，歌聲也比較有層次感，亦冰亦暖的很有特色，那Reznor老爹就負責上台領獎就好了啦! 🐻
註解：Nine Inch Nails×可愛伯伯們
那在佩服NIN的製作實力之餘，也蠻感謝他們在90年代常提及Gary Numan。70年代末大紅一陣子的Gary Numan，到了90年代另類搖滾盛行的世代，根本幾近全然被遺忘了，但多少在NIN的效應之下，年輕聽眾又開始挖他的東西，我也是其中一員，加上那時Fear Factory有翻唱/合唱他的”Cars”，於是Gary Numan突然又變成”內行必聽”的珍品了，我想那也讓他有機會東山再起。
↗好棒啊! Gary Numan×Nine Inch Nails~ 好喜歡Metal這首歌啊! Cars也唱得好帶勁好歡樂啊! 瘋啦~~~~! 聽了好想跳舞哦:p
接下來是Outside時期的David Bowie，對我而言太太太太重要了。就是這時才認識為專輯擔任製作的…Brian Eno! 永遠記得首次在電視螢幕中看見頹廢詭異的”The Heart-Filthy Lesson”音樂錄影帶，這時期的Bowie省思藝術創作的意義，並探索工業音樂…應該也大力推了我一把，讓我開始聽像是Einstürzende Neubauten的東西。 95年的時候Bowie與NIN一同巡迴，也會在台上合作，表演彼此的歌曲，對啊Bowie會唱NIN的歌哦! 後來Bowie有再跟NIN合作，錄製了 “Im Afraid Of Americans“~這首歌裏面說的一切如今都成真了:(((
↗之前po的影片一直被砍，於是一股揍器貼上整場演唱會。
然後NIN與經典哥德樂團Bauhaus的主唱Peter Murphy也曾有合作，並辦了一個”轟趴”~ 客廳規格的現場表演。Peter Murphy擔任主唱，表演的曲目包括自己的作品、NIN的歌曲(覺得Peter唱”Reptile”好好聽哦)，還有一些翻唱的東西，像是Iggy Pop的Night Clubbing，以及這首筆者我超級喜歡的電子名作”Warm Leatherette”~ 原曲由The Normal(即Daniel Miller的化名)錄製，後來給Grace Jones翻唱，歌曲題材顯然在談 J.G. Ballard的 Crash，聽一下嘍↙
你以為這樣就結束了嗎!? 1992年的Marilyn Manson耶! 那時他還很”清純”，跟著NIN在玩音樂。下面這影片的拍攝地點就是後來錄製The Downward Spiral的自搭錄音室，屋址是惡名昭彰的”Tate House”，也就是導演波蘭斯基的妻子等人被查理曼森謀殺的地點…覺得比較口怕的是影片中出現了麥金塔的Cakewalk哈哈哈哈…🐻
10. Blood Orange // Coastal Grooves (2011)
已經忘記到底怎麼認識Blood Orange(Dev Hynes)的了，應該是 Sky Ferreira的”Everything Is Embarrassing” ，這首原由Hynes譜寫原稿，再與Sky等人加以修改而成，後來也由Hynes等製作。個人很喜歡這首歌，覺得是當代流行歌曲的典範之一，亦把Sky本即出色的歌聲發揮至極緻。編曲方面就是平實的synth-pop，伴奏與歌聲並進，不做什麼刻意吸引人的效果，高潮由歌聲起伏去拉提就夠了；反之Sky在Night Time, My Time之中的幾首歌曲，編曲方面及音色調配就還好。
後來查詢維基又發現Hynes為Solange的EP作曲與製作，其中的”Losing You”也超級喜歡的啊! 這首聽過就一直留在腦海中不斷迴旋…很好聽啊~ ↙
那麼，剛開始聽Hynes以Blood Orange為名義所發行的最新個作 Freetown Sound ，是覺得好流暢動聽，好溫暖啊! 也很優美~幾乎是種”優美porn”的程度了，同時很多變…卻又算完整。Freetown sound的旋律與歌聲的演繹，就如所有傑出的靈魂樂作品一般出色，倒是歌詞還是有叛逆的面向，又有令人心暖，關懷的靈性。而且，Freetown Sound的結構與詮釋，承襲很多靈魂、藍調、嘻哈、電子…等等的精髓，但終究都還有它獨屬的DNA，就不是遵照什麼靈魂樂的規則、公式去打造的，因而溫暖優美之餘，還挻性格的，且一點也不匠氣。
而且聽Freetown Sound的時候，你不會覺得”哦這就黑人的音樂嘛!”，而是感覺這確實定是黑人的音樂，但是是黑人『做自己』的音樂，甚至是鼓勵每個黑人做自己的音樂 ~ 文化淵源、族群認同的色彩都還在，但不會受其束縛。所謂的認同不能是同質化，認同就該是共鳴…聽這張專輯會有這番體悟…
接下來，Blood Orange的第一張專輯Coastal Grooves (2011)，我竟然完全被打到了! 這張有魔性耶! 已經聽了一個禮拜了，幾乎天天聽的程度。不過，Coastal Grooves跟Freetown Sound好不一樣啊!! 靈魂樂的色彩不太明顯了。 Coastal Grooves反而比較像indie-pop，很有想法的indie-pop，色彩豐富的alt-pop，或是簡單的電子流行加上感性的歌聲，也就是小時候聽的80年代新浪潮的感覺。而且聆聽的當下，是感覺黑人音樂、白人音樂、男人音樂、女人音樂、靈魂、搖滾…這些刻板的、風格化的符號都消失了，剩下動聽悅耳，舒心暢快的感覺。流行音樂這樣子不是很好嗎? 內容紮實，不被類型所束縛，音樂本該如此，人也本該如此的啊!
↗這首Sutphin Boulevard第一次聽就好驚艷。非常喜歡穿插於中的”中國音階”的元素。
但老實說Sutphin Boulevard聽了幾次後都沒有仔細去思考這首歌要表達的是什麼，直到看了MV跟Allmusic的介紹：“…and Coastal Grooves is the first outing where Hynes sounds completely at home with being unusual. Inspired by the N.Y.C. transvestites captured on film in the documentary Paris Is Burning, the lyrics swim with tales that recall Lou Reed’s “Walk on the Wild Side,” intertwined with Hynes’ own experiences as a street-smart scenester in Brooklyn. ” (source: Allmusic) 所以這裏的說明與上面的MV內容是呼應的。
Coastal Grooves整體而言是張不錯的”泛”概念專輯，旋律、作曲方面格外出色，那麼音色、編曲的運用亦皆得宜，可能沒有上面介紹過的其他經典作品那麼突出，但已算很強了。跟Blood Orange後來的作品比起來，個人覺得主要差在歌聲表達的”角度”，像在Freetown Sound，略感歌聲是為人而歌，為人而唱~ 以歌聲來感化、撫慰人心的，概念方面的視野也寬廣許多。反之Coastal Grooves沒到這種程度，格局小多了，就比較像是一個平凡的人說著一個平凡的故事，可是這樣反而比較吸引我耶! 有些低涼感傷，有些黑暗，但是有吸引力…
有時你想要的是…只要望向天空便看見得世界各處的音樂，而有時你要的是…跟著你的步伐，與你走在破爛的人行道，口袋剩沒幾塊錢，去雜貨店買包煙結束疲累一天的音樂。而以Blood Orange的才華，他兩項都能滿足你。🐻
註解：跟著Blood Orange一起來歪樓跳痛~
↗他一開始是介紹交響樂的東西，中間是些老歌奇盤，一張比一張跳痛，然後突然出現一張 Type O Negative啊哈哈哈哈笑尿啊! 更鬧的是訪談還穿插Peter Steele(R.I.P.)參加談話節目的奇怪片段，笑料精品啊! 再去查YT影片時看到有人留言說：「Tommy Wiseau(大災難家的主角)何時組團了都不知道」靠北是眼瞎了哩XDDD 啊這都害我懷念起中二時代有陣子狂聽Grunge又跟瘋Metal的東西，但不是你所知的那種，而是Biohazard、 Suicidal Tendencies、Anthrax、Pantera…死累兒…White Zombie(後來跟阿丹去看過Rob Zombie的演唱會，超屌的)…很癟四與大頭蛋的品味啦! 那時也會聽Type O的。之後完全不聽Metal了都還是覺得他們好好聽，一點也不俗氣匠氣耶! 當然也不深奧，甚至還有些隱隱的幽默異趣吧! 現在聽來都覺得Bloody Kisses (1993)製作得很好耶，Peter Steele不愧是Peter Steele，Metal的沒有人像他曲子慢條斯里又耽美哥德成這樣。反正Type O就完全自成一格的。聽說Peter人都蠻和善風趣的，女人緣有點好，然後身高竟有203公分哇你咧! 但毒癮與愈漸惡化的健康狀況終究還是奪去了他的性命啊t_t ↘名曲很多，剩下的自己找吧!🐻
11. Vince Staples // Big Fish Theory (2017)
#還沒寫完 這張我還在聽所以還不知道要記什麼。主要還是編曲、音色元素頗吸引我的，同時VS的表達方面口味都夠重。這幾年嘻哈樂迷真的不愁沒得聽。Kendrick Lamar、Joey Bada$$、Tyler, the Creator 、Run The Jewels…等等每一兩年就會發一些很不錯的作品，你也不會太去質疑他們的實力，甚至被他們寵得有點審美疲勞之類的! 可不可以突然給我爛一下!? 就給我吃錯藥一下搞個失敗的曲風實驗吧!! 惡搞一下吧! 還真的有…Meow the Jewels! 哈哈哈。總之對於自己有在追的幾個嘻哈歌手，都是100%信服的…聆聽時也不會想太多啦!
所以之前Vince Staples出道時，已經有些疲勞了，也覺得已有點”FlyLo Overdose”了想休息一下了…就覺得他的首作Summertime ’06可以撂著有空再聽。那最近因為在VS的介紹文章中看到關鍵字DJ Rashad，所以稍稍引起興趣，加上…哈哈哈…封面啦! 一大堆待聽專輯之中…好多優雅精緻的圖之中，突然冒出個金魚頭實在是太顯眼了!! 真的，再怎樣都會有我這種很笨很白目的聽眾…專輯封面看到個魚啦、貓狗啦覺得可愛不必動腦思考，就先選來聽了!
有啥心得再更新嘍! 🐻🐻 #2020更新：2020音樂特輯就都在說Vince Staples嘍！
12. Lana Del Rey // Ultraviolence (2014) #重聽
想不到吧! 這麼主流的流行的專輯給我介紹對嗎? 行嗎!? 湊了嗎!? 不是，這張有它很厲害的地方。我平時很少聽Lana姐姐(昨天才知有些歌迷稱她為”打雷姐”哈哈哈哈)，那最近寫短篇故事時開始思索一些事，就不禁聯想到她的形象與創作理念。
像是…是否美國唯一真實的…便是它的假象?
為什麼這麼樣的一個國家、文化，如此無法自拔地著迷於”擬像”與”失真”? 換個角度來想想布希亞(Jean Baudrillard)所說所言…其實都沒有那麼艱深那麼學術，其實都是我們所不自覺的自身。他的理論若放在現今美國的政局與社會文化來看，都太太太太太一針見血了啊，個人覺得用來觀察美國的流行音樂歷史，也是格外貼切…
Lana的歌曲…似無極限的風格化，層出不窮的老歌元素之重新詮譯，逼真的戲劇性情境，小至旋律，歌詞，伴奏，歌聲，嗓音，髮型，眼睫毛，衣著，藝名，談吐…大至整張專輯，還有Lana身為流行音樂歌手的身份/分身/假象/persona…其實全是在玩擬像，且是若有意識地的在玩的，只是一年一年過來，她愈玩愈純熟，愈玩愈有心得。
“This would sharpen you up and make you ready for a bit of the old ultra-violence.” 這是庫柏力克的電影「發條橙」之中的台詞。Ultra-violence此一複合詞源自發條橙原著，指的是超越常知的極超暴力行徑，並在庫柏力克…對…亦是相當風格化的詮譯下，以甚是鮮明、乖張、滿滿快感、毫無道德約束的形象來呈現，固然引起不小的爭議。
但到Lana的手中，超越常知的極超暴力，卻又是另一番詮譯了。一樣引發爭議。但這方面我們這裏不會談太多。
↗根據維基介紹，單曲”Ultraviolence”的意念有取材1962年 The Crystals的”He Hit Me (It Felt Like a Kiss)“；聽了是覺得原曲的表達也蠻強烈的…
2014年的這張Ultraviolence，讓我注意到Lana的風格化遊戲不止於皮毛，各番元素的挪用、拆解、符號化，雖不到操弄敘述詭計的地步，但已比一般主流/商業流行音樂還更加玩味了，而這還不及Ultraviolence的精髓之處。Ultraviolence剛出時，友群們都會聽這張，Lana效應亦似乎從這時開始漸漸溢至”cult status”的層度。不過那時我並沒有深聽這張專輯，直到最近…
三年之後，發生了很多事情，經歷了很多事情。
再來聽Ultraviolence，領悟到的是…
是啊…美國唯一真實的，真的就只剩假象了，
而這可真是番暴戾啊!
Ultraviolence無論是主題、風格化的”動線”，Lana的詮釋，或是作曲、製作方面的各番細節，甚至從歌曲如何起頭，還有唱腔技巧的各番應用…已都懂得去蕪存菁，結果就是專輯上上下下裏裏外外皆是一氣呵成、極具凝聚力(coherence)，且不盲從於樣板化的暢銷專輯製作模式，但終究不離流行音樂、美國民謠歌曲的宗旨。
論缺點的話，就是還少了那種一語點破人心，一語述盡人生種種的魔力。已犀利卻還可以更犀利，還可以更深，還可以更黑暗，還可更神秘。不過Lana還很年輕；Billie Holiday、 Nina Simone、Nancy Sinatra、Stevie Nicks、Kate Bush、PJ Harvey、 Bob Dylan、Leonard Cohen、Johnny Cash、Nick Cave 、Tom Waits…他們在Lana這個年紀時，也有各自摸索、掙扎的過程的。Lana後來的Honeymoon (2015)其實展現了她愈漸成熟的一面，相較之下Ultraviolence便是大膽的突破，可若下張專輯只是再依樣畫葫蘆，必然只會功虧一簣。
個人較感興趣的，無疑是Ultraviolence的編曲、製作方面的細節。”West Coast”果真有其玄妙之處。之前聽電台節目初次聽到時便有些嚇到，效果太好了。我的觀察不會比維基所列出的解說來的精細： “West Coast” 沿用了曾於披頭四的 “We Can Work It Out” (1965)之中出現的編曲手法~分段降拍，而”West Coast”的副歌的拍速驟降了至少60bpm。可以想像那對作曲、編曲而言多具挑戰性，拍數一變，一切大大小小細節都得跟著變，而且還要與不變之前的內容呼應得剛好，對比得剛好…不容易啊。
說到強調對比，”West Coast”一開始主歌的部分，是強調鼓與低音的重感(頓挫頓挫)，營造出緊湊感，小調的旋律線亦配得天衣無縫。我聽的時候是覺得所有聲音都是上下上下地起落，然後進入甚是驚喜的副歌時，全都突然”滑”了起來，聲音變成循著左右左右的滑弧在搖盪著，歌聲也慵懶起來了。更甚的是…哇那迴音~! 耳機族一定會發現副歌的迴音好瘋狂好迷幻啊! 歌聲已是堆疊成影，迴音更是順著歌聲的起迄暈染開來，而且下得有夠猛，卻也都呼應了60年代迷幻搖滾的質感。
60年代的迷幻民謠…那時沒有DAW來加效果或調automation，那時的空間系吉他效器還沒盛行。但是，聽聽The Moody Blues的”Nights in White Satin“，或是Roy Orbison的”In Dreams“，或是Procol Harum的”A Whiter Shade of Pale“，需要什麼額外的效果嗎? 不，延音、迴響單由和聲、弦樂與吉他指法就可以營造得極為強烈。自己曾經反覆聽”Nights in White Satin”，想說要自己調出那種效果，但後來發現重點不是迴響延音，而是歌曲本身的張力…歌詞本身的意義，還有歌手的表達。一首歌要如何流傳半世紀且依舊震懾聽眾的心? 我想Ultraviolence也在探索這番可能性，而它所借鏡的老歌民謠們，與它之間的距離依舊是…似是近，又似遠…
Ultraviolence之中，同名歌曲”Ultraviolence”、”Shades of Cool”、”Brooklyn Baby”、”Sad Girls”、”Money Power Glory”以及”Fuck My Way Up To The Top”亦皆展現了作曲與製作方面的精緻度，一樣段落間的對比、歌聲的起伏拿捏，風格化仿古的意念都運用得不錯，但就沒有”West Coast”這樣具突破性。很喜歡”Money Power Glory”主歌部份Lana唱著的”You talk lots about God/Freedom comes from the call/But that’s not what this bitch wants/No what I want at all…”不止是歌詞，連歌聲的詮釋亦有些自諷自謔的意圖，甚至都有種無法言喻的、毫不迴避的虛無感←這應該就是她與其他暢銷流行歌手的最大不同了。然而到了”Fuck My Way Up To The Top”，那般虛無感更是給放大了! 副歌段落也是「挻瘋的」；那樣的推衍，以及(又是)迴聲無上限地使用，聽到這裏都覺得她可以唱Tom Waits的歌了。
寫到這裏，突然想到…其實像看Johnny Cash與Bob Dylan的傳記都會發現，美國民謠的年代，就有很多翻唱，新歌也會由不同的歌手錄製不同的版本，甚至翻唱是種傳統，而時間拉至21世紀，Lana所做的各番拼貼、仿古、風格化，其實也可以是說是”cover”的進化體。而從Ultraviolence以來，我們可知她所”翻”的，亦包括民謠、搖滾、流行樂的表達精神…「精髓」…而不再只有”裝模作樣”的程度。甚至，透過自行戲謔Lana這個身為歌手的分身，透過直率得唐突的歌語來自諭又自省，來表達真實的情感、真實的自我，這倒也是美國歷史上每一傑出民謠歌手皆有的特質。所以這終究也是擬像的應用啊! 好妙! 🐻
…#彩蛋 最後，關於Ultraviolence或Lana Del Rey這位歌手…你覺得她把自己符號化了，你覺得她在大肆玩弄”擬像”與”造像”的手法，所以覺得假假的，但到頭來反而是這等假象，連同那些過火的迴聲疊影、失真音色，讓你感受到了她”真”的一面。或許，她之所以存在，之所以成立，是由為她不斷在”戲仿”(parody)著她自己。有些今敏的fu了!
微妙的是…反觀現在隨性聽別的超暢銷主流流行女歌伶…有時感覺她們有些人反而有種『不知為假之真』與『不知偽真之假』的詫異感呢!! 🐻
13. Soft Ballet ソフトバレエ // Earth Born (1989) #重聽
Ultra-violent-crazy跳痛來啦!!
也是重灌iPod/iPad才又發現的，都不知什麼時候有Soft Ballet的專輯的。關於東洋流行音樂，可能小時候會跟著表哥表姐亂聽，後來大概小學的時候喜歡ZARD、B’z這些的，並在偶像雜誌之中看到一則關於…BUCK-TICK的專輯介紹(Darker Than Darkness 這張! )，就是比較洋味，比較哥德搖滾的東西，於是路就開始走偏了哈哈哈。Soft Ballet是因為常與BUCK-TICK有所合作所以順便認識的，也算是個人少數喜歡的東洋電子團體(e.g. 還有P-Model 、YMO相關…etc.)。那很可惜的，Soft Ballet解散之後一直沒有重啟的跡象，直到前幾年成員藤井麻輝與森岡賢有意要再一起玩音樂，卻很不幸的…我與我的友群們都相當喜歡的森岡賢於去年因病早逝了:(((((
p.s. 以前還好，現在我都聽不太慣東洋流行樂之中節奏普遍短促+旋律太格式化+強調高音不著重低音的特質；這些特質沒有的話就全全大丈夫了。不過就算日本另類前衛音樂的領域，個人亦常會感受到類似的節奏不適應問題，也略感不少作品架構概念方面時常僅是趨於型式；同樣無這些特質就okay。挑東挑西的…那大概只剩The Stalin可以聽了哈哈哈! 真是「羅曼蒂克到吐出來了!」(很會哦)其實我還有GISM可以聽咧(結果是自己品味太勞賽了吧)。
最近重聽Soft Ballet是覺得…他們真的走的很前面很前面。1989耶! 工藤静香跟浅香唯的年代耶! 然後Soft Ballet已在玩gender-bender了，電子合成器又玩得這麼瘋這麼執迷! 第一張專輯Earth Born至今聽來最有意思，首先這張帶入了濃厚的工業/EBM元素(特別是SPK與 Nitzer Ebb)，也有不少新浪潮synth-pop的影子(像是Soft Cell、Depeche Mode)，然後又懂得摻入了獨屬東洋風味的優雅。音色調配都好美好美，前前後後邊邊角角都好多好美好可愛的小細節，但整體聽來又夠大氣，重點是不會乾!! 好難得! (特別是日本的)電子音樂乾乾假假的最討厭聽了!
↗樂團Logo源自Nizter Ebb，藤井麻輝敲打自製樂器是SPK現場演唱常出現的橋段，並且根據維基的說法，”Body To Body”這首歌是向Front 242致敬的。可是無論如何…妖嬈的モリケン是世上唯一獨一無二的モリケン啊!!
還有Earth Born第二首HOLOGRAM ROSE的前奏個人非~~常喜歡。Earth Born另一特色是音色的Acid效果用得酸死了，卻能和遠藤遼一美聲等級的歌聲搭配得不錯。另外專輯同名曲”Earth Born”是早期Soft Ballet的美學典範，也是首作品中較罕見的慢板曲目，呈現出一番浩瀚壯美感，哇那些音色…絕美絕調啊~
Soft Ballet後來於1991年發行的”愛と平和“個人也超愛。而且從頭聽到尾都是一個字「狂」啊! 不像其他專輯為了商業考量會塞些較為八股的東西(超不喜歡這樣的但沒辦法)。這張愛と平和走全方位cyber-punk路線，曲風強勁多了，表達也激進多了，工業/EBM元素仍在，但進化至頗似早/中期的KMFDM吧! 像是”VIRTUAL WAR” 有夠硬的，”EGO DANCE”與”FINAL”也都是感官能量爆炸的極品。如果要在Youtube上面找Soft Ballet的現場演出片段的話，愛と平和的歌最好看了!
Soft Ballet的專輯我只有聽到1995年的FORM，之後的東西大約知道風格走向，就不太吸引我了吧! 1993年的INCUBATE現在聽來覺得專輯沒像以前完整，工業/synth的味兒沒以前那麼突出/突兀了(所以對我而言有點平淡)，但是這張專輯收錄了一首Soft Ballet生涯最為成功，最易中毒上癮的超級單曲”WHITE SHAMAN”，個人覺得作曲的層次就屬這首編得最好，也算是成員三人各自迴異的風格特色，皆能同時發揮至極緻的一首作品。啊真的走得好前面啊…好可惜……
後來聽朋友說森岡賢在Soft Ballet解散之後，似乎還是常與BUCK-TICK、AUTO-MOD、浅井健一、土屋昌巳等人合作音樂/同台演出…好像有看過你們去live拍的照片…年代久遠了。他的個人SOLO作品也很有內容…唉為什麼要英年早逝啊:((
↗Soft Ballet與BUCK-TICK同台同框演唱”Iconoclasm”；一邊是外太空來的，另一邊是從少女漫畫蹦出來的，今井的造型頗微妙的(不意外哈)。
那BUCK-TICK到現在還會聽，但是是無限鬼打牆重聽自己手邊珍藏的SEVENTH HEAVEN、TABOO (←最愛這張)跟悪の華吧! 追碟大概到memento mori就投降了哈哈。
↗平沢進!! 好不可思議的合作組合啊~~~~~~~~~~~~~~~~~不寫了，對平沢進沒抵抗力的! 要去挖一堆P-Model出來聽了嘿嘿嘿嘿🐻~~~~~~~
14. DJ Rashad // Double Cup (2013)
到底什麼是”Footwork”? 其實影片一看就懂了! ↙
綜合影片、維基與Allmusic的解說，我所能理解的是…Footwork是種舞步，是種音樂，音樂的部份是浩室、嘻哈與Juke的衍生體，於90年代的芝加哥西區與南區開始盛行，而Footwork音樂之於Footwork舞者，就如嘻哈(早期Hip-Hop/Electro)之於B-Boy；Footwork複雜又快速的舞步會迫使DJ播碟的速度必須增快，140bpm以上甚至是160bpm左右是常態，亦可想而知當拍速變快，音樂中的伴奏、音色等等便會變得更加極簡(沒有足夠”喘息”空間來塞太多東西了)，鼓聲與貝斯的部份亦會更著重，取樣成為一大策略。並且Footwork音樂亦須配合Footwork舞者、舞廳、舞池、手足舞蹈的空間、地點，來調整其編曲架構…這不只是給耳朵聽的音樂，同是也得是給身體、舞步所聆聽的音樂。
而能同時滿足舞者角度與聽者角度的Juke/Footwork音樂，非DJ Rashad莫屬。
最近聽了一些Footwork，印象較深的是Jlin(她的Black Origami2017年終榜單應該蠻常見的)還有DJ Rashad的東西。吼…同樣被稱為Footwork，這兩位的曲風可是天差地遠啊! 然而，DJ Rashad生前唯一正規專輯Double Cup給我的感覺，是立馬超越任何舞技舞步、曲風類型的分門別類的。Double Cup打醒了我啊! 哎呀…幾年前聽LTJ Bukem後期的東西也有這種”醒悟”的啊! 那就是…
當我們聽太多過於精緻、迂迴、滿滿詭計巧思的音樂之後…會忘了音樂是活的。當我們太過專注於邊邊角角的各種音色時，都忘了這些邊邊角角就算再多抽象詭譎，終究都是在反應我們生活的裏裏外外，終究是源自我們平時的聆聽與思忖…從微觀的街道、房間的某一角落、屋後的蟲鳴、與人的對話交談…再推衍至地域、文化、國家、季節、時間…etc.。所以…音軌如何疊，節奏如何編，為什麼有抽象的怪聲，為什麼有朦朧的迴音，為什麼取樣了某些歌曲…這些的靈感皆是來自於生活中、成長背景之中，亦來自自己的所聽、所思當下；反倒聆聽什麼經典作品，受什麼音樂影響，要運用什麼音響原理、什麼結構、什麼曲風、什麼主義，則皆是其次。
反之，執迷地考究於紙上談兵的美學，迷信於既定的法則，或僅著墨於一些與世界、生活全然脫節的抽象意念…這樣的人再多聰穎也很難錄出好作品，或著他們的作品再精緻再前衛，也只是在讚許嘉獎之後，在聽著耳外化做一灘死水。你就是得懂得聆聽生活中、生命中來自四面八方的聲聲響響，而且還要聽出角度、音量、調性與質感…聽出了音場，聽出了空間、時間，聽出了構圖，聽出了一個環境，聽出了一個世界之大…你才會開竅，而就算一開始你編曲的功夫不夠，你的”拙作”聽來都還是會頗有靈性&甚有活力的。
DJ Rashad，很可惜英年早逝之後只留下一張專輯作品。只有一張，卻是”So full of substance”。覺得他的DJ哲學真的蠻值得學習的。個人感覺他所創作的不是Footwork的配樂工具，所刻畫的也不是腳跟子下不停變動的步伐，而是這些舞蹈，還有這些音樂所在的『地方』~ 街景、天空、交通、房子、城市、時代…而他的音樂會讓你深深體會到這個地方，也同時是這些音樂與舞蹈…所需存在的理由。
↗Footwork音樂雖然快又精簡，但DJ Rashad與同伴DJ Spinn玩起來一點也不生硬，Footwork還是可以很流暢很豐富的。
其實我在接觸DJ Rashad的時候對於Footwork一點概念都沒有，那要等到聽Jlin時才有去查定義。Double Cup就是一張很生活化，很舒心的「都會節奏」專輯，並且不會有太多炫計的成份，架構方面也不會太複雜太玩味，給人『音樂回歸於音樂』的紮實感受。可能我實驗類的東西聽多了麻痹了，就算Double Cup亦被歸類為實驗DJ/電子，也都覺得太可愛太有血有淚了! 總之強推，最近幾天還會再細聽。🐻
先到這裡啦！
作業區////以下有空再補：
其他聽了覺得不錯，但目前詞窮沒筆記/懶得寫的專輯：
Carl Craig – Versus (2017) Nosaj Thing – Fated (2015) Thundercat – Drunk (2017)
Björk – Utopia (2017) YG – Still Brazy (2016)
Kelela – Take Me Apart (2017) ←這張很強~~~
Big Star – #1 Record (1972) Barry Adamson – Moss Side Story (1989) 跟 Oedipus Schmoedipus (1996)
其他說明：
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無喜好排序，無藝人背景介紹；不是正規的音樂專輯評論，也厭煩那樣的格式格調，所以背景知識請再查詢其他的資料嘍。
本文專輯介紹之中最為普通的主觀見解，是來自筆者Anex我自小對於流行電子音樂的喜好，還有偶爾玩玩合成器宅錄的嗜好；基本上不會對特定曲風類型、歌手、性別性向、國家文化有什麼偏見，反正不懂或不喜歡的東西就不會浪費時間寫的。
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'Round about midnight...in a perfect world…… 